两幅画相似:如何区分抄袭和仿古？

华喦美女速写(仿)华喦美女速写(原创)□文/图最近在林林发生了一件有趣的事。他买了两幅几乎一模一样的书画作品，上面有两位当代画家的题字。谁抄袭了谁？此前，英国广播公司(BBC)报道称，日本政府撤销了授予日本著名艺术家田的年度艺术奖，原因是被曝出多幅油画抄袭了意大利艺术家阿尔贝托·苏吉(ALBERTO SUGHI)的作品。关于“抄袭”，艺术界有两种完全不同的观点:一种认为艺术必须是原创的，同行之间的相互“抄袭”或直接向外界“借鉴”使得艺术市场鱼龙混杂；另一种认为艺术必须传承，特别是中国的书画有仿古的传统，不能算抄袭。那么如何界定艺术作品抄袭呢？如何区分抄袭和模仿？焦点一:临摹古人:传统艺术要向大师致敬。策展人吴认为，艺术界对剽窃一直形成两种截然相反的观点。一种认为一切艺术都必须是全新的，另一种认为艺术也可以相互借鉴，甚至可以“向大师致敬”:“就像京剧，只有几个来回的唱段，很难有原创性。但不同的艺术家对同一部京剧的理解不同，表演也不同。”他认为艺术的创造不一定都是原创，也可以是在前人基础上的创新、改进和改造。但抄袭和这种创新改进完全不同:“抄袭在艺术界是可恶的。抄袭者模仿其他画家的作品，签上自己的名字，以假乱真。”但在中国美术史上，有一个绘画传统——后人以更好地模仿前人的作品为荣，即使在仿制品上加上自己的名字，其艺术价值和市场价值也往往得到认可。广东省美术馆有两件这样的作品。一幅是清代画家华喦的《杨贵妃画像》，另一幅是上世纪初广东省国画研究会画家黄君璧的《杨贵妃画像》。“两部作品的相似度达到了99%，因此可以判断黄君璧原封不动地抄袭了华喦的作品。黄君璧把华喦原画上的钱都抄了一遍，还留下了自己的钱。”广东省博物馆研究员朱告诉笔者，“临摹过程中，虽然笔法可能加入了自己的东西，但并没有‘再造’，作品的构图和意境与原画一模一样。”从某种角度来说，可能是在“向大师致敬”，但对于朱来说，他认为作品的意义在于展示了他临摹古画的精湛艺术技巧，同时也印证了中国画研究会是从临摹开始的。临摹的技艺一直被认为是中国书画的一种传统技艺。古人临摹，一是为了练习，二是为了显示自己精确临摹古画的功力，而不是为了再创作而显示自己的艺术水平。“对于古人来说，最高境界无非就是临摹100%相似度的古画，与原画一点都不差，甚至临摹对方的过失和失败。”朱认为，这种文化和审美传统一直影响着中国画领域。即使到了现代，仍然有从临摹开始的现象。有的画家甚至一生临摹。“只是有些人运气好，临摹后找到了自己的出路，形成了自己的一技之长。”所以他认为界定抄袭或者剽窃的标准是，如果被抄袭的作品展示为自己的作品，当然涉嫌抄袭，但如果是别人做的作品，也无可厚非。焦点二:抄袭西方:油画家名利双收。"在不同的文化环境中，对剽窃的定义和处理是不同的."朱认为，比如西方古典油画讲究人像，临摹的不是古人，而是临摹自然、物象和人体，而不是达芬奇或梵高的画，否则会受到世人的批评甚至攻击。上世纪末，一位著名油画家在当年的本科论文中讨论抄袭问题，将国内艺术家的一些著名作品与西方作品的原作进行对比。这篇论文在当时的艺术界引起了轩然大波和反思。时隔20年，吴认为中国油画界的艺术家模仿当时西方大师的作品是有意义的:“在不同的语境下，东西方作品的比较，只是后者借用了前者的意象和符号，可以说是抄袭或借用意象。我更倾向于后一种观点。”"自20世纪80年代以来，东方一直在模仿西方，而且一直如此。"这种现象在业内被称为“画册现象”。吴解释说，那时，中国对外国艺术界还不太了解。有的艺术家率先拿到西方画册，看到好的作品，在别人拿到资料之前，迅速把这种风格修改成自己的，靠这种风格出名。“走这条捷径成为著名艺术家的现象确实存在，但在艺术界并没有受到批评或严厉斥责。”他认为，一个原因是，每年全国美展的油画都会有风格、样式非常相似的作品，但并没有影响其入围和获奖，证明了业界对这种“抄袭”的宽容。第二，著名画院的领军人物中不乏临摹西方作品的成功案例，使这成为艺术圈的普遍现象。“抄袭的画家往往有可能名利双收。这种极不合理的现象是知识产权落后的表现。”华辰拍卖总经理甘学军[微博]强调，这应该立法，但抄袭的界定是个难题。“应该是在构图和绘画上定义，重点是如何改变传统观念。”在他看来，在印刷术不发达的时代，中国画把临摹作为一种传承和延续的方法。所以国际上极其严重的抄袭，在中国却因为这个历史传统而被“淡化”了。他认为，现代中国艺术创作和艺术市场需要创作和独特的个性，所以现在的中国艺术市场，面对世界大市场的机遇和挑战，应该考虑如何遵循国际通行的规则。“传统书画可以有传承关系，有门户之风，但现代创作如果不遵循国际通行的原则，肯定会吃亏。”焦点三:抄袭有多少相似度？“即使在西方艺术圈，也没有100%的原创。即使是所标榜的全新的甚至是颠覆性的艺术，也曾经存在于前人的语境中，即使当时只是对立的存在，也必然与前人的东西有关。”吴这么说。其实在西方艺术界，抄袭是有比例尺度的。据策展人熊斌介绍，一般相似度在30%~40%的就涉嫌抄袭，否则只是雷同。但是，在中国的书画中，这个比例并不适用。“怎么定义一个画家的作品学了齐白石的20%，张大千的25%，傅抱石的15%？”艺术品经销商刘先生说。熊斌说:“中国的油画大部分是抄袭外国的，甚至当代中国水墨画也可能受到某种程度的影响。画家郭润文曾经说过，油画没有创新的空间，只有学习它的深度。这句话有一定道理。很多名家都在融合古今中外，先临摹再求新。”因此，艺术创新是一种学习和整合。“太阳已经有这么多年的历史了，但是我们对太阳的了解还在不断加深。这种认识不是创新，而是已经有了，所以对于艺术来说也是一样的”但是，艺术院校很多学生创新，不是为了加强学习，而是标新立异，没有任何意义。“文化产品总是有实际效用的。在不同的语境中，他们承担着不同的文化角色。在不同的时间、空间和语境中，同样的作品、同样的风格被不同的艺术家使用，承担着不同的文化角色和功能，所以在艺术界用‘抄袭’这个词并不准确。学术圈的抄袭是很明确的。一个是一个，一个是两个。你的是你的，我的是我的。然而，很难这样定义文化产品，因为图像和符号的语言非常有限。”熊斌说。一位艺术圈资深人士说得更直白:“当代艺术允许这种‘学习’，不违法，无可挑剔。这就是中国人学习和创造的方式。当代艺术创作方法允许使用现有的图像，如张晓刚[微博]，以及1960年代拍摄的家庭照片，这是挪用，如周春芽或其他艺术家。但他们通过盗用现有图像创造了新的含义。”有市场人士认为，抄袭者能在市场上“吃得开”，与收藏者水平不高、无法判断也有一定关系。甘学军认为收藏者和消费者应该有鉴别和消费艺术品的能力，但归根结底原因不在收藏者，收藏者不可能知道所有的艺术家和艺术品，只有制定法律，创作者，也就是生产者，才能从根本上解决问题。