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首先，绘画由客观的自然再现转变为主观的精神表达，体现了印象派绘画独立的美学理念。印象主义在艺术精神上反对西方古典传统绘画，强调新时代艺术形式的创造；他们不太看重现实的主题性表现，建议生活和客观的形象要自然、随意地表现出来；他们脱离了传统艺术所注重的社会功能和教育功能，离开了现实的艺术表现的情节和戏剧结构，排除了叙事性的文学内容，注重画家对真实情境的自我感受和自觉表达，善于直观客观地再现和描述真实情境的生活状态和存在形式，将绘画从客观的自然再现转变为主观的精神表达，以迎合新兴市民的审美需求，努力体现印象派绘画独立的美学理念。印象主义并不反对以自然为师，只是强调“不要失去你感受到的第一印象”。印象派认为“记忆”和“想象”可以“从自然的束缚中解放出来”。塞尚还提醒画家要“避免文学倾向”，将叙事性的文学内容排除在绘画之外。毕沙罗《农家女》的质朴率真和《牧羊女》的灵动传神，体现了“以自然为师”，描述了“我感受到的第一印象”。德加赛马的投入与情感，骑马与散步的闲适与潇洒，舞台上芭蕾舞演员的欢快与狂喜，叠加着“记忆”与“想象”，企图“从自然的束缚中解放出来”。塞尚的《弯弯的树》豁达狂野，《马纳河上的桥》宁静纯净，《艾克斯郊区的巨松》简洁豁达，遵循的是“色彩逻辑”。印象派画家以“社会学功能”走出传统艺术倾向，以“绘画的独立性”进入当时的社会生活。马奈杰出的风俗画，如《咖啡馆里的咖啡音乐会歌手》、《弗利·贝克酒馆》等，正是这方面的代表作品。劳特雷克尽管有贵族背景，却用反讽的手法表达了现实。他笔下的巴黎上流社会的夜生活，没有优雅高贵的生活情趣，而是一个堕落、污秽、欺骗的世界。《他在红磨坊的舞会》中喧嚣中的狂欢，《小丑小夜子》中人物的沉思与无奈，真的是痛苦的呻吟。在这里，我们也可以理解，印象派是不可能真正扭转传统艺术中的“社会学功能”的，印象派生活在一个充满各种矛盾的社会，即使反复强调绘画独立的美学理念，也无法真正踏入脱离“社会学功能”的“独立”。
二是在绘画中注重光、色、形、意、美的融合，体现了印象派艺术与光学相结合的主要特点。印象派绘画在光与色的表现上有所突破，在光与色中求形，在光与色中讴歌意与美，在绘画语言中理解光、色、形、意、美之间的辩证关系，将闪烁的阳光和微妙的阴影引入画面，绘画变得清新、明亮、充满活力。在印象派绘画中，光和色是基本的绘画语言、艺术元素、快速流动的音乐旋律和缓慢流动的文化符号。光和色是形、意、美的艺术起点，形、意、美都是在光和色中塑造、表现和展现的。印象派画家最基本的绘画技法是探索一种有效的方法来突破物体单一的、看似不可改变的“固有”色彩；他们试图捕捉物体在特定时间自然呈现的瞬间色彩，这种色彩受到一定的环境条件、空间距离和周围其他物体的影响。他们从画水开始，生动地描述了水波反射的色彩。他们进一步扩展到从建筑到天空的光和颜色的表达。印象派对光和色彩的探索，得益于19世纪初科学家对光的本质的新发现，催生了艺术与科学结合产生的文化跃迁。莫奈在不同时期反复描绘鲁昂大教堂和干草堆，正是为了捕捉瞬间的光线和色彩。在这个罕见的展览中，“鲁昂大教堂，从正面看的门，棕色的和谐”和“鲁昂大教堂，阳光的效果，在晚上”是莫奈为教堂绘制的30多幅油画中的两幅。在画这些画的时候，他在给妻子的信中写道，他每天都会有一些从未见过的新发现，所以他很快就弥补了，但同时也会失去一些东西。
第三，原色的并置、重叠、补色形成了新的印象派绘画语言。印象派画家为了表现物体的动态变化和色彩斑斓、光怪陆离的光色，采用了小笔触、色调并置的方法。调色板上不再分配一些颜色，而是红黄蓝三原色不时并列重叠，红绿黄紫蓝橙互补对比，使色彩在强烈的视觉冲击中产生新的和谐。印象派新的“光色”技法形成了新的绘画语言，令人耳目一新。
第四，“将画架移至户外”成为印象派的重要绘画方法。它不是简单的绘画场所的位移，而是绘画方法的改变，改变了西方传统的绘画方法，以素描阳光下的场景，捕捉和描绘阳光下物体颜色的微妙效果。雷诺阿喜欢在户外的森林中素描模特，以便仔细研究模特身上和脸上的绿色反射和亮斑效果。雷诺阿从清新的自然风光中揭示了色彩绽放流动的奥秘，体会到了色彩的美丽与和谐，阳光的欢乐与变化，自然的律动与率真，生命的澄明与温暖。所以有了《打着阳伞的李四》中伞下的影子，晶莹的视觉色彩，以及李四眼中非视觉色彩的真挚魅力，夏都的春天明媚，春色涌动。《阳光下的绘画》在绘画方式上为印象派绘画的兴起和发展奠定了基础。
五是改变西方传统绘画，向各画派学习，留下印象主义敲开20世纪现代艺术大门的文化轨迹。印象派艺术思潮伴随着印象派绘画而产生，印象派绘画在印象派艺术思潮的涌动中蓬勃发展。印象主义的兴起在于对西方传统绘画的改造和19世纪上半叶各画派的借鉴，包括古典主义、浪漫主义和现实主义。印象派绘画的反叛表现在很多方面。印象主义很快形成了自己的艺术风格、绘画特色和文化风格。在19世纪下半叶独树一帜的同时，也表现出自身艺术选择和文化取向的局限性，导致了混乱和分裂。在这个过程中，印象主义、新印象主义、后印象主义相继产生。在印象主义、新印象主义和后印象主义衰落之后，立体主义和20世纪各种理性抽象艺术都从中汲取了动力。印象主义、新印象主义、后印象主义打开了20世纪现代艺术的大门。
印象派画家的文化肖像
在印象主义、新印象主义、后印象主义的演变中，出现了一些有影响的画家，他们自觉不自觉地走在印象主义的旗帜下；有些人虽然没有印象主义的“团队意识”，但他们的作品却透露出印象主义的艺术风格。虽然有些人参与了早期印象主义的艺术活动，但他们的整体艺术倾向更接近后印象主义，或者说他们成为了后印象主义的代表。本次“法国印象派绘画展”入选作品51幅，超过4幅作品为马奈、莫奈、毕沙罗、西斯莱、雷诺阿、德加、塞尚。马奈是印象派的创始人。他开创了取材于日常生活和自然景物的画法，强调绘画的色块操作高于描写功能。莫奈是印象派绘画运动的发起者、领导者和坚定不移的实践者，是“光与色”的讴歌者。毕沙罗是点画的领袖。西斯莱的画风在印象派中比较稳健。雷诺阿是法国印象主义的先驱，他的早期作品是典型印象主义的真实写照，充满了闪烁的色彩和光芒。德加被认为是表现动态人物的绘画大师。塞尚是杰出的后印象派画家之一，现代绘画艺术之父，他的作品和思想对20世纪许多艺术家的美学观念和艺术运动(尤其是立体主义)的发展产生了重大影响。
印象派画家有自己的风格和个性，同时又鲜明而有特色。
首先是艺术思想的批判。印象派绘画本质上具有批判性和“叛逆性”，被正统沙龙所排斥，并因为排斥而强化了自己的“叛逆性”，更加顽强地走上了探索之路。1874年，一群年轻的画家在巴黎著名摄影师纳达尔的工作室的幌子下举办了他们的第一次展览，这是被正统沙龙拒绝的产物。到1886，印象派* * *举办了八场展览。其间，印象派绘画曲折发展，印象派画家聚散。但是，总的来说，对印象派艺术思想的批判是确定的。
二是艺术体系的原创性。印象主义的代表人物虽然仍然保持了绘画的古典形式和一般审美观念，但他们动摇了传统的绘画方式，松动了具有强烈继承性的艺术链条，在审美观念、光色处理、视觉建构、审美趣味等方面创造了新的艺术体系。
三是艺术精神的探索。印象派画家总是在探索的过程中，从探索中出发，在探索中发展，在探索中走到一起，在探索中开拓新的艺术轨迹，在探索中碰撞与破碎，在探索中从印象主义、新印象主义、后印象主义走来，走向20世纪的现代艺术。
第四是艺术珍品逐渐占主导地位。印象派绘画有一个被世界接受的过程。当印象派画家的作品被正统沙龙拒绝后，他们的作品被冷落，甚至连买来的作品都被要求退货。1933年7月，当雷诺阿的《小艺术家》在巴黎以17万法郎成交时，常书鸿先生感慨地写下了雷诺阿在巴黎的胜利:“雷诺阿和莫奈可以说是印象派先锋队伍中最独特的两位努力挑战时代的纯粹艺术家...有人说雷诺阿赢了！但是，请不要忘记他在仇恨和嘲笑中的挣扎。他不断追求，这次胜利的回报是1933，也就是他死后的14年。”在这里，艺术珍品的渐变过程经历了14个春秋！
五是艺术手法的借鉴。印象派画家借鉴了巴比松画家和英国画家的技法和审美观念。西斯莱曾经对评论家道尔夫·达维尼说:“谁是我最喜欢的画家？如果只提同时代人，他们是德拉克洛瓦、康纳、米勒、卢梭、库尔贝，都是我们的老师。他们热爱自然，并强烈地感受到它。”巴比松风景画家对印象派画家的影响是显而易见的。毕沙罗承认:“我们的道路始于英国大画家透纳……”印象派画家也从中国、日本和其他东方艺术中吸取营养。梵高指出:“我敢预言，其他画家会喜欢强烈阳光下的一种颜色，喜欢日本绘画中晶莹剔透的颜色。”“日本艺术...已经在法国印象派艺术家中扎根。”莫奈于1870年对日本浮世绘产生兴趣，并于1871年开始收集浮世绘版画。
2
后印象主义是继印象主义之后存在于19世纪80、90年代的一种艺术现象，不具有风格意义。这些艺术家既不同于印象派对外界光和色的狂热追求，也不同于新印象派对光和色的分析以及运用逻辑思维进行艺术创作。他们主张在艺术中重新强调形式的概念，重视作者的主观个性，注重在作品中表达作者的主观感受和情感，注重形式的表现力。通常被称为后印象主义的画家有塞尚、梵高和高更。
后印象派画家的探索过程和成就对20世纪西方现代艺术流派产生了重大影响。塞尚主张绘画要摆脱文学性和情节性，充分发挥绘画语言的表现力，推动了欧洲纯绘画观念的流行和形式主义绘画的发展，被誉为西方“现代绘画之父”。他的作品注重画面的概念、结构和建筑美。他的深入研究和对体面的极大关注孕育了立体主义。梵高的作品蕴含着深刻的悲剧意识。他大胆探索，自由表达内心感受，追求强烈的个性和独特的形式，远远领先于时代。后来的野蛮主义、德国表现主义，甚至20世纪初出现的抒情抽象都得益于梵高的艺术..高更受到象征主义美学观念的影响。他的作品充满了抽象、神秘、象征的原始艺术因素，并结合他精湛的艺术趣味、扁平的绘画形式和丰富的装饰效果，形成了鲜明的艺术特色。他推动了现代象征艺术的发展，对后来的超现实主义产生了深远的影响。
三
现代西方艺术史上的一个运动和流派。也被翻译成立体主义，1908始于法国。这个名字的出现是偶然的。1908，g.bu。
Rucker在Carnivelle画廊展出了他的作品，评论家L. Pistons在Jill Brass杂志上评论道:“Braque先生还原了一切。”
.....成为一个立方体”，因此得名这种画风。立体派的大师是毕加索和布拉克。毕加索的油画《弹曼陀林的女孩》(1910)，被
被认为是含有立体主义因素的作品。
立体主义绘画方法的出现经历了一个酝酿过程。20世纪初，巴黎绘画非常活跃。在后印象主义和象征主义之后，年轻艺术
在瞬息万变的工业社会中，科学家们普遍关心如何创新形式来表达人们内心的情感和心理。新学校位于法国、德国和意大利。
俄俄相继出现。在法国，继野兽主义兴起之后，又一批作家和艺术家经常在蒙马特的“移动洗衣房”聚会。参加毕加索什么的。
迪克、m .洛朗森、g .阿波利奈尔、a .萨蒙、m .勒纳尔、j .格莱斯、f .莱格等。他们得到在1907工作的艺术品经销商D.-H. Kanweiler的支持。
在巴黎开了一家画廊，也就是人们所说的立体派社会。德劳伦和格莱兹也参加了立体派的活动。1910年，以荣威为例。
中心，建立了一个新的立体派社团，因在法国皮托活动频繁，被称为皮托团体。荷兰画家p·蒙德里安和墨西哥画家j·德·里韦拉也曾与Pi合作。
与信托集团有联系。他们赋予了分析立体主义以秩序和规则，从而推动了立体主义向更加抽象和主观的方向发展。来自1912。
开始，毕加索和其他人进行了全面的立体主义实验。在解析立体主义破碎透明的结构中，依然有强烈的光线和空间感。
画家将不同状态、不同视点观察到的物体集中在一个平面上，产生整体的体验效果。综合立体主义不再是
从解剖和分析某个物体开始，我们使用不同材料的组合来创造一个新的主题，并试图使艺术家
贴近生活中平凡的真实。
虽然黄金分割学会作为立体主义的一个分支，在1920和1925年继续举办展览，但是立体主义作为一种艺术运动，早在1914年就失去了生命力。
立体主义是一个充满思想的艺术流派。它主要追求一种几何形式的美，以及形式的排列组合所产生的美感。它否认来自一个人
传统的从视点观察和表达事物的方法，把三维画面简化为平面和二维画面。表现出明暗、光线、空气和气氛。
趣味让位于直线和曲线形成的轮廓和区块的趣味和情调。不要用一个观点看事情，要用不同的观点去观察和推理。
解决方案在画面中成形，从而表现出时间的持久性。这样做，显然不是主要依靠视觉经验和感性认识，而是主要依靠理性、观念和思维。
立体主义在反传统的口号下，具有强烈的形式主义倾向。但它在艺术形式上的探索，却赋予了现代工艺美术、装饰艺术、建筑艺术等。
注重形式美的实用艺术领域对其有很大的推动作用。
4达芬奇)——意大利文艺复兴的杰出代表，达芬奇是西方艺术史上最具传奇色彩的人物，达芬奇的成就和贡献是多方面的。他不仅是一位才华横溢的艺术家，还是一位科学家和博学的学者。
达芬奇在各个领域为人类做出了杰出的贡献，无论是皮具、服装、珠宝、家具、自行车、汽车、飞机、潜艇、军事工程、军事武器、解剖医学...500年来，人类仅仅是跟随达芬奇的脚步，就取得了今天的成就。世界先进国家和日本、韩国、以色列等亚洲国家都有专门针对达芬奇的研究机构。今天，他的一些科学思想陆续被发现、被理解、被应用。事实证明，列奥纳多·达·芬奇的思想在今天仍然是永恒的，我相信他的理论在未来的科学和学术领域仍然会对一个国家乃至整个世界产生深远的影响。
作为古典艺术的现代诠释，达芬奇品牌代表着时尚潮流，代表着卓越、高贵和品质。意大利，欧洲文艺复兴的发源地，以其辉煌的历史诗篇充满诗情画意。随着现代科技的发展，达芬奇向消费者展示了一种现代的生活方式:达芬奇之于消费者，就是这种经营理念和意识，也就是“达芬奇B TO C”。达芬奇对产品质量和服务的不懈追求，最终使达芬奇成为著名的时尚品牌。
达芬奇的自画像在中国被消费者称为“老人头”。其实真正的“老人头”是“达芬奇”，只有意大利达芬奇国际集团生产的“达芬奇”才是真正的国际品牌。请确保“达芬奇”和个人资料图像是真实的。
达芬奇大事记
1452年4月15日，塞尔·皮埃罗·达芬奇和卡特里娜出生在意大利佛罗伦萨芬奇镇的郊区。1465年进入韦罗基奥画室，成为入门弟子(13 ~ 14岁)。
1473年，他创造了“圣旨”。
1476年，他被指控与韦罗基奥的其他弟子犯有同性之爱。因为他否认，最后被释放(24岁)。1482画《拜三贤》，回到米兰(30岁)。
1483年被旧金山接受，大教堂订购了岩石上的圣母像(31岁)。
1495开始画最后的晚餐(43岁)。
1502 ~ 03他回到佛罗伦萨，开始画蒙娜丽莎(50岁)。
1516应法王邀请，前往法国安博瓦兹(64岁)。
1519于5月2日在法国安博瓦兹去世(67岁)。
1980意大利达芬奇国际基金会成立于意大利佛罗伦萨，丰西小镇。
2000年，亚太代表处在香港成立，升级为亚太总部，即意大利达芬奇国际集团有限公司的前身。
2001至2004年，达芬奇品牌进入知识产权保护期，中国大陆和香港的几十类商标受到法律保护。
2004年，达芬奇品牌正式进入亚太市场。
2005年，意大利达芬奇国际集团有限公司在香港成立。
2005年，广州代表处成立，负责中国大陆市场的推广。
2006年，投资成立广州达芬奇实业有限公司，“达芬奇”皮具正式进入中国市场。
蒙娜·丽莎。亦称LA GIOCONDA
最后的晚餐
uomo vitruviano
五
伦勃朗(1606 ~ 1669)1606 15年7月出生于莱顿，1669年10月4日逝世于阿姆斯特丹。他的绘画体裁广泛，擅长肖像画、风景画、风俗画、宗教画、历史画。莱顿时期的自画像作品(约1625 ~ 1631)采用强烈的明暗对比，用光塑造人物，层次感和戏剧性丰富。
伦勃朗在绘画史上的地位——不仅在荷兰，而且在整个欧洲——可与意大利文艺复兴时期的大师相媲美。他代表了北欧的民族和民族天才。造就伦勃朗伟大面容的是一种表达他特殊灵魂的特殊手法:光明与黑暗。这个词，曾经用来谈论这个画家，有着特殊的含义。换句话说，伦勃朗的光明与黑暗和文艺复兴时期意大利作家的光明与黑暗有着完全不同的作用。19世纪法国画家兼评论家弗罗曼汀称他为“夜虫”。也有人说他用黑暗描绘光明。
《卢浮宫》中有两部杰作，《木匠的家庭》和《以马忤斯的晚餐》。我们可以用它们来理解兰精“光明与黑暗”的道理。
作品《被石头砸死的圣斯蒂芬》(西藏里昂美术馆)通过捕捉面部表情来揭示人物的内心活动。为了创作出具有个性特征的人物，他一生都在研究面相学，他的探索成果是他绘画技法的重要组成部分。在阿姆斯特丹时期(1632 ~ 1648)定居阿姆斯特丹1632 ~ 1640，是他创作的成熟阶段。著名作品《蒂尔普教授的解剖学课程》(在海牙皇家莫里斯绘画展厅)突破了群体肖像绘画的刻板程序，将构图和人物处理得惟妙惟肖。这一时期的大量宗教绘画都表现出世俗内容，具有巴洛克绘画风格。1636写的《参孙的盲目》，因其细腻复杂的表现手法，被评论界形容为相当于莎士比亚笔下的麦克白夫人。类似的代表作还有《画家和他的妻子》、《拥抱萨斯基亚的自画像》(德累斯顿画廊)等。从1640到1648，个人生活的不幸和折磨使他对社会的观察和理解更加深刻，艺术创作也进入了深化阶段。1642儿子的死让他无比悲痛，但《夜巡》(在阿姆斯特丹国家博物馆)的出现，一开始并不被理解。这幅具有风俗画和历史画的史诗巨作能让人想起当年荷兰人民反抗外来统治的斗争。因为它进一步突破了传统的绘画方法，不被画家所接受，一度陷入僵局。这一时期他的其他作品，像《夜巡》采用了更舞台化的表现手法，含蓄地刻画了银幕上的主要人物，所以不像30年代那样受到上层社会的欢迎，生活越来越艰难。夜巡晚年(1648 ~ 1669)，伦勃朗晚年生活艰难，家产被拍卖，油画买家不多，只订购宗教题材的蚀刻画。其中一幅名为《100荷兰硬币版画》的作品，是根据其售价命名的。在此期间，他最著名的作品是描绘荷兰古代英雄C. Sifelis反抗罗马暴政的阴谋和尼泊尔商人协会理事的群像(在阿姆斯特丹国家博物馆)。前一个有纪念精神，可惜现在只有一个碎片，藏在斯德哥尔摩国家博物馆。后一部之所以成为他的不朽之作，是因为它表现了因人而异的外貌和性格特征。家庭的不幸和一系列的折磨并没有摧毁这个倔强的老人。他始终坚持自己的艺术理念和创作方法，直到去世，画出了《浪子回头》和《扫罗与大卫》等名画。据60年代统计，他一生有600幅油画，350幅蚀刻画，1，500幅素描，70年代后又有新发现。