毕加索知识产权
2015年，上海当代艺术博物馆举办了名为“Copyleft:中国的挪用艺术”的展览，对来自西方的“挪用艺术”理论进行了拓展和转化，认为中国的挪用艺术至少包括三种现象:与中国艺术传统有关的复制；与西方现当代艺术相关的挪用；与当前社会现象有关的山寨。抄袭、挪用、抄袭是三种不同的方式和境界，可供参考。就当代艺术而言，盗用西方艺术的成功案例很多，张晓刚的《大家庭画像》让人联想到比利时超现实主义画家雷内·玛格利特。张欢的综合材料可以找到德国新表现主义画家安瑟伦·基弗的影子；还有蔡国强2006年在柏林古根海姆美术馆展出的装置作品《撞墙》与博伊斯1969的作品《狼》的关系，刘小东与被视为当代英国最伟大画家的吕西安·弗洛伊德，等等。
可悲的是，中国艺术家极力模仿的西方当代艺术并不是一片净土。美国流行艺术家杰夫？昆斯数次被多方指责抄袭；澳大利亚蒂姆·奥尔森画廊(Tim Olson Gallery)终止了悉尼著名摄影师本·阿里(Ben Ali)的工作代理，并取消了即将举办的展览，原因是后者未经授权使用他人拍摄的图片进行创作。在鲍勃·迪伦的展览中，有几幅来自摄影作品的作品图像；日本艺术家田被曝抄袭意大利艺术家的多幅油画。
阿尔贝托·苏吉获日本政府文化部颁发的2005年艺术奖...
中央美院教授尹双喜也提到了另一个现象——艺术家的自我抄袭。在当今宽松的创作环境和全面的信息享受渠道下，一些知名艺术家找到了自己成功的风格模式，进行重复制作以满足资本的需求。他们十几年的作品没有突破和创新，看起来都一样。漫步在今天的当代艺术展上，我们仍然可以看到许多简单拼贴(不同背景元素的拼贴，组合成另一个作品)和语言转换(比如将文字转换成二维码)的作品。这种艺术创作手法的陈旧和单一，不仅造成了资源的浪费，也造成了艺术市场的泡沫。这种模仿是一种传统和惯性，也是艺术界值得反思和关注的现象。
当代青年艺术创作者因“借鉴”和“临摹”引发的纠纷并不少见。在济南第七届中国体育艺术展上，李月亮的油画《小时候》和胡武功90年代拍摄的《俯卧撑》几乎一模一样，只是把银盐换成了颜料，照片是绘画克隆的。今年6月，在某网站主办的“中国梦当代艺术展”上，画家刘被指抄袭青年艺术家何承东的油画《如果梦》，未经任何改动或再创作就署名展出，并刊登在该网站的展览预告中。在今年夏天的一次展览中，也发生了一件展出作品涉嫌抄袭他人毕业创作的事件。
借鉴还是抄袭，如何界定两者的界限？
原创更多体现在想法上。
康定斯基在《论形式》一文中
“模仿”给出了明确的定义:“一个缺乏天赋的艺术家——也就是一个缺乏艺术内在追求的艺术家——把别人创造的形式为己所用，混淆大众。”德国艺术史学家托托·海泽(Teuto Heizer)在他的论著《关于伟大的艺术作品》中提到，艺术模仿者的作品，除了“表面上”的相似外，总是比原作更加“极端、躁动、夸张、挑衅、耀眼”。记者在采访中发现，大部分艺术家和评论家都认为，没有一个明确统一的标准来界定抄袭和借用的区别，更多的是需要根据具体的作品来分析和认定。
临摹在中国古代传统绘画中是一种非常重要的创作方法，其本质是借鉴。明清画家模仿、临摹古人的画很多。他们选择用这种方式来体验和升华自己的心境，是因为他们认为传统艺术有传统的范式，学习范式是他们一生的追求。这是当时观念下形成的传统学习、传承和个人创作规范的大框架。
中国艺术宫副主任李磊认为，与二三十年前相比，今天更加重视和强调艺术作品的原创性。一方面，在当今的文化思维观念中强调艺术本身的创造性，另一方面，艺术作品的商业化和市场化是以保证艺术的原创性为前提的，这也会涉及到知识产权的保护。
中央美术学院副教授杨宇表示，进入20世纪后，观念的独创性一直被视为艺术作品的主要价值标准，当代艺术的主要呈现范畴其实就是观念的呈现。当代很多艺术作品都有借鉴其他作品的先例，有些是戏仿和挪用。比如一些政治波普作品对原著经典形象的戏仿，这种挪用和借鉴还是有区别的。在当代艺术中，借用现有产品进行创作，其实是一种观念的更新和颠覆，也是对绘画本身的反思。
关于当代艺术原创性的定义，很多学者的观点基本一致:当代艺术的原创性不是体现在作品的材料和图式上，而是体现在思想上。当代艺术家往往有独特的想法或做法来借用、挪用和改造，或者用一种新的方式来表达有意义的东西，这是当代艺术的一个非常重要的特征，众所周知，毕加索的立体主义风格受到塞尚后期作品的影响，他的雕塑与非洲的土著雕塑直接相关。但是，主动学习前人的经验并将其转化为个人创新的动力，和窃取别人的思想作为名利的捷径，是有本质区别的。康定斯基在《论形式》中说:“如果一个艺术家用别人创造的一种形式来表达他内心的冲动和体验，也就是说，如果这种借用符合他内心的真实，那么他完全有权利这样做。”
事实上，针对日益猖獗的抄袭现象，我国法律有相关规定。在《中华人民共和国著作权法》第47条中，对很多侵权行为都有比较明确的规定和处罚原则，但在实际执行过程中很难真正执行。根本原因是抄袭和借鉴的界限没有硬性标准，只有主观判断。青年艺术家莫凡认为，艺术创作本身是一种极其自由的个人行为，就像上面提到的现成艺术一样，重在思想的阐述，而不是实物本身。一件作品是否涉嫌抄袭，大概可以从作品的实物(概念)的相似程度，以及双方提供的草图、文字、图像尤其是创作的时间点来判断。
部落虎创意
艺术生态可以越来越好。
就中国当代艺术的现状而言，虽然短时间内没有非常有效的方法，但从鼓励原创、拒绝抄袭的角度来看，还是有很大的提升空间。杨宇说，年轻艺术家在美院的经历更多，所以我们更应该重视高等艺术院校在教学理念上的指导。如果艺术创作离开了原创，就会导致价值标准的混乱，因此抄袭和跟风复制应该受到严厉的批判。但同时也要认识到，借鉴是艺术创新的必由之路，在原创的基础上进行有限的借鉴是允许的，也是应该适当容忍的。对此，他提出了建设性的具体措施，即艺术界可以设立一些鼓励原创的奖项，可以与其他等级奖项分开设立，奖励那些有创新和独特想法的作品。也许他们的艺术素质不是最高的，但作品创作过程中体现的原创精神是值得关心和鼓励的。希望艺术家借鉴大家的风格和格局，有长远的眼光和规划，珍惜和发扬自己的原创思维。南京艺术学院教授顾成峰认为，当代艺术的原创性主要体现在思想和观念上。要区分概念原创和形象原创。当形象借用和挪用不可避免时，更应该注重鼓励概念原创。
另外，为了避免不必要的纠纷，在具体的展览操作层面，也可以通过策展人、学术专家等环节来规避。“作为策展人，你必须有深厚的专业素养，开阔的视野，看过大量的艺术作品，尤其是大型展览的作品。”今日美术馆馆长高鹏表示，近年来，今日美术馆举办了许多关于年轻艺术家的展览。为了鼓励原创，博物馆提出作品必须与个人成长经历相关。因为经历不同，生活不同，会产生不同的理解，作品与艺术家所处的环境直接相关。这些经历永远都是原创的不可复制的东西，他们的作品也会受到大家更多的关注。他认为，一个艺术家只要真实地表达他所处的环境和内心体验，就是最有生命力和原创性的。
中央美术学院美术馆馆长王表示，很多展览在选择作品或与艺术家合作时都会强调。
“作品不能涉及抄袭或与他人作品有版权纠纷”，也会有学术判断。但如果部分作品仍有争议，仅凭个人之言就贸然判定抄袭是不合适的，仍有讨论的余地。作为一名年轻的艺术家，莫凡有更深的理解。“艺术作品的创作过程，就是艺术家在生活中发现、提炼、升华并付诸实践的过程。没有这个过程，创作就会索然无味，创作不出感人至深的作品。个人的创作思维永远是主体，也是艺术家形成个人风格和特色的关键。创作往往涉及借鉴，但借鉴一定不是抄袭。”
只有鼓励原创，我们的艺术生态才能越来越好。
摘自百度网友，谢谢。